Lehrveranstaltungen (aktuelle Übersicht)

Kerstin Evert & Anne Kersting
Das Publikum choreografieren. Strategien der Publikumsadressierung in Tanz und Performancekunst

2 SWS, 72.808
14-täglich MO 16:00-19:15; Termine: 22.10., 05.11., 19.11., 03.12., 17.12., 07.01., 21.01.
Kampnagel K33

Modul 1A/1B/1C/2A

Welche künstlerischen Praktiken der Publikumsadressierung sind in den letzten Jahren in Tanz, Choreografie und Performance-Kunst entwickelt worden? Was unterscheidet diese von herkömmlichen Strategien der Publikumsadressierung? Welche Rolle spielen dabei kulturpolitische Interessen?

Das Seminar von Dr. Kerstin Evert, Leiterin von K3 - Zentrum für Choreographie | Tanzplan Hamburg und Anne Kersting, freie Kuratorin und Tanzdramaturgin, untersucht die dramaturgischen und kuratorischen Strategien von Publikumsadressierung anhand mehrerer Produktionen.

Avanthi Meduri
Transnationalism, Transculturalism and Global Dance

2 SWS, 72.801
Blocktermine: 29.11.: 14.00-17.15, 30.11.: 10.00-17.45, 01.12.: 10.00-17.45, 02.12.: 10.00-17.45
Fel 01

Modul 1A/1B/1C/2A

The histories of Romantic Ballet and Indian classical dance forms were conjoined spectacularly in 1838, when a troupe of Indian temple dancers travelled to Europe and performed in various theatres in London, Paris and Germany. Recently the acclaimed British choreographer Shobana Jeyasingh dramatized this tour of the five dancers in her production entitled Bayadère: the Ninth Life.” A Radical reworking of Marius Petipa’s La Bayadère, the work was premiered in Linbury Studio theatre, Royal Opera House, in 2015. It was restaged at the Sadler Wells theatre in Oct, 2017. More than a retelling, the remarkable work searches for the roots of the ‘Bayadère temple dancer herself and the allure she exerted in Europe over the centuries. Dance scholars have, for some time now, recognized the historical significance of this extraordinary event in world dance history. Yet the interlocked history of these two forms, extending over a 200 year time span, remains under researched in world dance history programmes of research because this scholarship continues to be articulated within the exceptionalizing framework of the ‘West and the Rest’ and or the anthropological framework of the ‘local’. My lectures rejects this divided East/West framework and explores the transnationalism of world forms within a global dance history framework.

Kerstin Evert & Anne Kersting
Das Publikum choreografieren. Strategien der Publikumsadressierung in Tanz und Performancekunst

2 SWS, 72.808
14-täglich MO 16:00-19:15; Termine: 22.10., 05.11., 19.11., 03.12., 17.12., 07.01., 21.01.
Kampnagel K33

Modul 1A/1B/1C/2A

Avanthi Meduri
Transnationalism, Transculturalism and Global Dance

2 SWS, 72.801
Blocktermine: 29.11.: 14.00-17.15, 30.11.: 10.00-17.45, 01.12.: 10.00-17.45, 02.12.: 10.00-17.45
Fel 01

Modul 1A/1B/1C/2A

Wolfgang Sting
Theater und Performance als Intervention

2 SWS, 44.971
MI 10:15-11.45
Studiobühne, R. 046
Modul 2B, 6A

Wie politisch, wie sozial-engagiert, wie bildungsrelevant sind die szenischen Künste? Theater und Performance als szenische Künste stehen immer wieder auf Neue in einem dynamischen Wechselverhältnis zu gesellschaftlichen Fragen und Diskurse und positionieren sich dazu mit ihrer ästhetischen Praxis. In dem Begriff und der Praxis der Intervention zeigen sich unterschiedliche politische, ästhetische, soziale und pädagogische Intentionen und Aktionsformen. Das Seminar untersucht und diskutiert theoretische Positionen und beispielhafte Praxisprojekte in diesem Feld, auch unter Einbezug (post)migrantischer, postkolonialer und inklusionsorientierter Fragestellungen. „Applied Theatre“ als relevanter (theaterpädagogischer) Ansatz im angelsächsischen Kontext, der Theater als „change agent“ und „transformation process“ konzeptualisiert, eröffnet zudem eine zu reflektierende internationale Perspektive.

Einführende Literatur: Warstat, M. et al (Hg.) (2015) Theater als Intervention. Politiken poetischer Praxis. Berlin

Seminarleistungen: regelmäßige Teilnahme und Seminarlektüre, Mitarbeit in einer Arbeitsgruppe zur Vorbereitung bzw. Präsentation eines Seminarthemas.

Martin Jörg Schäfer
Kollektive, Gemeinschaften, Netzwerke etc. in aktuellen Hamburger Theater- und Performanceproduktionen

2 SWS, 52.263
DI 16.30-18.00
Studiobühne
Modul 2c, 3a, Freier Wahlbereich

Im Seminar beschäftigen wir uns mit ästhetischen Entwürfen des Miteinanders auf dem aktuellen Theater. Von der „freien Szene“ bis hin zum „Stadt- und Staatstheater“ fragen wir uns, welche Konzepte Pate zu stehen scheinen, welche Bilder zur Aufführung gelangen, welche Texte als Vorlage dienen oder eigens entwickelt werden. Viel ist in den letzten Jahren über die Flexibilisierung von Arbeitsprozessen in den ‚westlichen‘ Gesellschaften debattiert worden. Diese gehen oft mit der Behauptung einer Dehierarchisierung einher. Dies findet sich auch in den Idealvorstellungen zahlreicher künstlerischer Positionierungen im Theater- und Performancebereich wieder. Den immer noch stark hierarchischen Verhältnissen am Stadt- und Staatstheater mit der ‚starken‘ Autorschaft einer Regieinstanz wird dann emphatisch der kollektive Prozess einer gemeinsamen Stückentwicklung entgegensetzt. Manchmal geht dies soweit, dass der Prozess mit dem künstlerischen Ergebnis gleichgesetzt wird. Demgegenüber interessieren wir uns für die Resultate dieser unterschiedlichen Arbeitsformen in ihrem Eigensinn. Im Seminar wollen wir anhand der einschlägigen Texte der Debatte und anhand des Besuchs aktueller Produktionen untersuchen, welche Vorstellungen von Kollektiv, Gemeinschaft, Komplizenschaft usw. bei „neuen“ und „alten“ Arbeitsformen am Ende auf der Bühne zu sehen sind.  

Von Interesse sind nicht zuletzt Theatertexte, die kollektiv im Probenprozess entwickelt worden sind. Zu diesem Thema findet vom 24.1. bis 26.1.2019 eine Tagung auf Kampnagel statt, die das Seminarprogramm beschließt.  

Ihre Anmeldung bestätigen Sie durch Teilnahme an der ersten Sitzung. Mit Selbstkosten für Tickets ist zu rechnen.

Erste für das Seminar zu sichtende Produktionen sind voraussichtlich Nico and the Navigators: „Die Zukunft von gestern“ (18.-20.10., Kampnagel), Skills: „Welcome to Hell“ (24.-27.10, Kampnagel), Markus & Markus: „Peer Gynt“ (9.&10.11. Lichthof Theater).

Literatur:
Kai van Eikels, Die Kunst des Kollektiven. Performance zwischen Theater Politik und Sozio-Ökonimie. Paderborn 2013.
geheimagentur, Martin Jörg Schäfer, Vassilis Tsianos (Hrsg.), The Art of Being Many. Towards a New Theory and Practice of Gathering. Bielefeld 2016.
Annemarie Matzke, Arbeit am Theater. Eine Diskursgeschichte der Probe. Bielefeld 2012.
Jean-Luc Nancy, Die undarstellbare Gemeinschaft. Stuttgart 1988.

Martin Jörg Schäfer
Kollektive, Gemeinschaften, Netzwerke etc. in aktuellen Hamburger Theater- und Performanceproduktionen

2 SWS, 52.263
DI 16.30-18.00
Studiobühne
Modul 2c, 3a, Freier Wahlbereich

Noah Holtwiesche
Zwischen Sprache und Körper: Szene, Performanz, Text

2 SWS, 52.262
DO 10:00 – 11:30
Studiobühne
Modul 3B, 3C

Kollaborative und prozessuale Formen der Texterzeugung, wie sie in avancierten Produktionen in Theater, Performance und Tanz zu sehen sind, haben mit der klassischen Schreibszene, in der ein Autorensubjekt  an einem Tisch sitzt und seine Gedanken niederschreibt, nur wenig zu tun. Statt im mentalen Raum einer Autorin oder eines Autors entsteht der Text diskursiv, in einem Hin und Her, zwischen verschiedenen Personen, deren Unterschiede sich in ihm einschreiben.

Solche Formen der Texterzeugung erfordern daher andere Textperformanzen als das stille Niederschreiben der Gedanken und das nachträgliche Inszenieren der derart gewonnenen Texte. Unterschiedliche Textperformanzen zu sammeln und szenisch unter die Lupe zu nehmen, möchte ich zusammen mit den Studierenden in meinem Seminar unternehmen. Ziel ist es, besser zu verstehen, wie unterschiedliche Texte entstehen und welche unterschiedlichen szenischen Wirkungen sie entfalten können. Hauptaugenmerk liegt dabei auf die komplexe und oftmals prekäre Beziehung zwischen den Körpern der Performerinnen und Performer und den Texten als eigenständige Entitäten.

Um Textperformanzen und Formen prozessualer und kollaborativer Texterzeugung zu analysieren, bedienen wir uns unterschiedlichster Methoden und Materialien. Wir nutzen eigene szenische Versuchsanordnungen zur Texterzeugung und -Wirkung, verschiedene Primärtexte von dramatischen bis zu gefundenen Texten wie Packungsaufdrucke und Werbetafeln, nicht zuletzt wissenschaftliche Texten aus den Performance Studies und der Sprachphilosophie.

Die Ergebnisse unserer Forschungen werden im Rahmenprogramm der Tagung TogetherText, welche vom 24. bis 26.01.19 auf Kampnagel stattfindet, live und in Aufzeichnung präsentiert werden.

Der Semesterplan und Art und Umfang der möglichen Studien- und Prüfungsleistungen werden in der ersten Seminarsitzung am 18.10.2018 besprochen.

Su Jin Kim
Tanzgeschichte ertanzen. Techniken, Konzepte, Vermittlung

3 SWS, 72.803
MO 09:45-12:00
Gymnastikhalle
Modul 4A, 6B

Das Seminar konzentriert sich auf körperlichen Bewegungssprachen und damit, wie diese über und als Tanztechniken vermittelt werden.

Die Studierende werden verschiedene Tanztechniken erfahren und üben und diese körperlichen Erfahrungen durch die Praxis werden über die Geschichte des Tanzes und die dazugehörenden Körperkonzepte reflektiert. Dazu beschäftigen wir uns mit bestimmten Choreografien und Improvisationsverfahren im Rahmen von körperlichen Thematiken und tänzerischen Historien, um die Entwicklung des Konzeptes und die Verständnisse der Methoden tief auseinanderzusetzen.

Wir werden hierbei die Verständnisse des Körpers und die Anwendung der Prinzipien von Tanz einstudieren und diese schaffen eine Basis für die Untersuchung der bestimmten Choreographie und der möglichen Ästhetik des Tanzes.

Aus der Perspektive der tänzerischen Formen und körperlichen Konzepten stellt sich die zentrale Frage, wie die Theorie von Tanzgeschichte körperlich in die Praxis umgesetzt werden können und wiederum inwieweit die körperlichen Erfahrungen durch die Vermittlung des Tanzes choreografische Tanzkunst erlangen. 

Einführende Literatur:
Klein, Gabriele (Hg.)/Barthel, Gitta/Wagner, Esther (2015): Choreografischer Baukasten. Das Buch, Bielefeld: transcript.
Weisheit, Katharina/ Timo Skrandies (Hg.)(2016): Bewegungsmaterial: Produktion und Materialität in Tanz und Performance. Vol. 44. transcript.
Diehl, Ingo & Friederike Lampert. (2011) Tanztechniken 2010: Tanzplan Deutschland. Henschel.72.803

Uta Plate
„BRING DICH INS SPIEL“
Die politische Stimme, der politische Körper, die politische Performance

3 SWS, 44.973
2., 3., 4.11. jeweils 10:00 - 18:00, 22. u. 23.11. 10:00-16.00 und 24.11. 10:00 – 13.00
Studiobühne, 046
Modul 4B

Wer bist du? Wofür stehst du? Wie bildest du dir in dem Chaos an Informationen überhaupt eine Meinung? Was stoppt dich? Was treibt dich an?  Sag es. Ins Mikro!

Was immer du sagst, wird Bewegung im Raum. Was immer du sprichst, wird zum Loop. Worte werden zu Rhythmus, ein Groove aus unseren Stimmen und Gedanken entsteht. 

Ein Forschen mit spontanem Denken, Ausdrücken, Improvisieren, die zu einer Komposition werden. Wir experimentieren so lange, bis wir wissen, was wir suchen. Eine politische Performance?!

Uta Plate war seit der Spielzeit 1999/2000 Theaterpädagogin an der Schaubühne/Berlin. Seit Sommer 2014 arbeitet Uta Plate im internationalem Rahmen als selbständige Regisseurin und Dozentin. Ihre Schwerpunkte sind die Arbeit mit sozial benachteiligten Gruppen (Theater im Knast, Neuseeland, 2016), intergenerative Projekte (LEBEN LÜGEN STERBEN, Theater Neumarkt, Schweiz, 2014) site specific Projekte (A WAY, Dänemark, 2016), Projekte mit Jugendlichen (GET UP STAND UP, Bürgerbühne Dresden, 2017), dokumentarisches Theater (HIER.STEH.ICH am Deutschen Theater Berlin, 2017) und Theaterarbeit mit Geflüchteten und Einheimischen (SERVUS SALAM, Residenztheater München, 2017 / DER PAKT, Schauspielhaus Graz, 2018).

Zudem lehrt sie als Dozentin an den Universitäten Berlin, Hildesheim, Hannover und Kopenhagen.

Antje Pfundtner
Once you know what it is: change it!

3 SWS, 72.802
11.01. -13.01., 18.01., 01.02. -03.02. jeweils 10-16h
Kampnagel Verwaltungsgebäude
Modul 5A, 5B

Das Seminar beginnt mit einem warm-up gefolgt von verschiedenen Improvisations- und Kompositionsaufgaben, die die individuellen Bewegungsabläufe und Qualitäten der einzelnen Teilnehmer hervorheben. Die eigene Bewegungsqualität und Bewegungsmotivation in eine spielerische und choreografische Struktur zu setzen wird wesentlicher Bestandteil des Seminars sein. Dabei wird vor allem das Betonen und Sich Lösen von eigenen Gewohnheiten („Habits“) im Vordergrund stehen. Meine „tools“ bestehen u.a. aus Übungen, die konkrete Herangehensweisen zu verschiedenen Ebenen des zeitgenössischen Tanzes beschreiben, wie z.B.: die Motivation den eigenen Körper überhaupt in Bewegung zu bringen, dazu Selbstwahrnehmung, Persönlichkeit, Gruppe, Raum, Zeit, Handlung, Gestus, Objekt und Haltung. Diese „tools“ dienen als „Anleitung“ und sollen zum Überdenken, Finden und Hinterfragen eigener Bedürfnisse, Haltungen und / oder Meinungen motivieren, um neue Einsichten oder Fragestellungen über das eigene künstlerische Handeln zu entdecken und zu formulieren. Die Teilnehmer werden viel durch Sehen und Erleben lernen, und „interessiert sein“ wird uns als „Fähigkeit“, die es sich immer wieder auszuweiten lohnt, bewusstwerden. Das gegenseitige Betrachten und Analysieren von selbst entwickeltem Material soll das Wahrnehmungs- und Differenzierungsvermögen der Kursteilnehmer für die Vielfalt von „Ereignisformen“ schärfen und dadurch die Möglichkeit bieten, über die eigene künstlerische Ausrichtung und seine eigene Positionierung nachzudenken. Außerdem werden wir HUMOR als eines der bereicherndsten künstlerischen Tätigkeitsfeldern entdecken.

Wolfgang Sting
Theater und Performance als Intervention

2 SWS, 44.971
MI 10:15-11.45
Studiobühne, R. 046
Modul 2B, 6A

Su Jin Kim
Tanzgeschichte ertanzen. Techniken, Konzepte, Vermittlung

3 SWS, 72.803
MO 09:45-12:00
Gymnastikhalle
Modul 4A, 6B

Alina Gregor
Performative Vermittlungskonzepte und -strategien in Theorie und Praxis

2 SWS, 44.972
MI 12:15 -13:45, Studiobühne, R. 046
Modul 7A, B, C

Das Seminar setzt sich mit unterschiedlichen Texten und Positionen aus der aktuellen Performancetheorie- und Praxis auseinander. Performance kann vielstimmig und mehrdeutig rezipiert und praktiziert werden. Performative Konzepte und Strategien einer beispielhaften Umsetzung unterschiedlicher theoretischer und ästhetischer Ansätzen werden in diesem Seminar vorgestellt, diskutiert, gestaltet und aus verschiedenen Perspektiven szenisch und didaktisch auf den Punkt gebracht. Ein Schwerpunkt liegt auf den Möglichkeiten der Gestaltungsprinzipien und Handlungsanweisungen für und mit unterschiedliche(n) Generationen und Alltagsexperten. In praktischen Übungen werden Stimme, Körper und Materialinstallation befragt und erläutert. Gegenwärtig wird diskutiert, ob und wie sich die Ästhetik des Performativen mit ihren ereignisorientierten Spiel- und Inszenierungskonzepten, die auch in theaterpädagogische Projekte eingehen, auf eine ästhetische Lern- und Bildungserfahrung auswirkt.

Einführende Literatur:
Pinkert, U. (Hg.) (2014) Theaterpädagogik am Theater, Kontexte und Konzepte von Theatervermittlung. Berlin, Milow, Strasburg.
Hilliger, D. (2018) K_Eine Didaktik der performativen Künste. Berlin, Milow, Strasburg.

Seminarleistungen: regelmäßige Teilnahme und Seminarlektüre, Mitarbeit in einer Arbeitsgruppe zur Vorbereitung bzw. Präsentation eines Seminarthemas.

Regina Rossi
In and Outside of Institutions: Organisationsformen und Produktionsmöglichkeiten von (performativer Kunst) in Hamburg

2 SWS, 72.804
Termine: Fel 03 Termine: 16.10./ 23.10./ 30.10./ 06.11./ 04.12./ 11.12./ 18.12./ 08.01./ 15.01./ 22.01. jeweils 10:30-12:00h + 2 Blöcke in der Studiobühne: 26.10. & 07.12. jeweils 10.00-13.30h
Fel 03 / Studiobühne
Modul 8A/8B

 „Dass das Theater nicht Herr über die Kunst wird.“- hat sich schon mal Nietzsche gewünscht. Was wünschst du dir für deine Kunst/deine Performances? Mehr Netzwerk, mehr Gelder, mehr Markt, mehr Öffentlichkeit, mehrere Bühnen, mehr, mehr, mehr...?! Oder weniger Produktionswahn und Big- Shows?! Weniger institutioneller Druck und ‚Kontrolle‘?

In dem Seminar werden verschiedenste Arbeitsweisen, Formate und Produktionsmöglichkeiten für Kunstprojekte in Hamburg thematisiert und diskutiert. Die Vernetzungen von Theorie und Praxis, sehr präsent in der heutigen Projektplanung und –Gestaltung der freien Szene, spiegelt sich in der Seminarstruktur wider: sowohl theoretische Auseinandersetzungen als auch praktische Übungen, Meetings und Workshops sind Teil der Veranstaltung. Ziel des Seminars ist es, dass jede Teilnehmende während des Semesters hamburgische Spielstätten kennen lernt, Pros und Contras der institutionellen Förderung erfährt, und die Skizze eines Projektantrages erarbeitet.

Mette Ingvartsen
Expanded Choreography – Practicing Plasticity in Dance

3 SWS, 72.805
MI, 12.12.: 12.30-19.30h, DO, 13.12.: 9.30-17.30h, FR, 14.12.: 9.30-17.30h, SA, 15.12.: 9.30-17.30h, SO, 16.12.: 9.30-17.30h
Kampnagel Probebühne 6C
Modul 9A

In this course we will work on how to understand plasticity as a poetic concept. We will be shifting between thinking, moving, writing and discussing the physical activities we engage in. Choreography will be approached as an expended practice that reaches beyond the movement of the body, into social and political questions to be articulated both individually and together as a group.

Gabriele Klein / Martin Jörg Schäfer / Wolfgang Sting

Fr 15.45-18.00, Studiobühne

Freier Wahlbereich

Im Seminar Freies Szenisches Arbeiten werden konzeptuelle und künstlerische Fragen, Arbeiten oder Projekte der Studierenden der Performance Studies vorgestellt und diskutiert. Freies Szenisches Arbeiten versteht sich als Raum zum selbstorganisierten Austausch über individuelle und kollektive Proben- und Arbeitsprozesse und -ergebnisse. Ziel ist es die (Weiter)Entwicklung eigener Projekte anzuregen und zu vertiefen

Gabriele Klein / Martin Jörg Schäfer / Wolfgang Sting

Di 19.00-20.30, Studiobühne

Freier Wahlbereich

Das Kolloquium Performance Studies thematisiert und diskutiert aktuelle Positionen, Praktiken und Produktionen des Arbeits- und Forschungsfeldes Performance Studies.

Martin Jörg Schäfer
Kollektive, Gemeinschaften, Netzwerke etc. in aktuellen Hamburger Theater- und Performanceproduktionen

2 SWS, 52.263
DI 16.30-18.00
Studiobühne
Modul 2c, 3a, Freier Wahlbereich

Uta Lambertz & Anna Teuwen
Recherchepraxis in Theater und Performance der Gegenwart

2 SWS, 52.264
MO 16-30-19.45, Termine: Montag 16.00-19.15, 15.10., 29.10., 12.11., 26.11. 10.12., 14.01., 28.01
Kampnagel-Dramaturgie (Jarrestr. 20, Verwaltungsgebäude, 3. Stock, künstlerische Büros)
Freier Wahlbereich

Das Seminar »Recherchepraxis in Theater und Performance der Gegenwart« begleitet die Entstehung eines neuen, generationenübergreifenden Formates der Künstlerin und Kuratorin Hannah Hurtzig (Mobile Akademie Berlin), das im Frühjahr 2019 auf Kampnagel aufgeführt wird. In Vorbereitung auf das Projekt beschäftigt sich das Seminar mit dem Genre der Erzählung (Walter Benjamin) und mit Romanen, in denen die Erzählung von Zeit im Zentrum steht. Es werden verschiedene Möglichkeiten der Nacherzählung erprobt. Außerdem widmen wir uns der Gesprächsform »Interview« und entwickeln und experimentieren mit verschiedenen Strategien der Interviewführung.

Literatur: Walter Benjamin: Der Erzähler. Betrachtungen zum Werk Nikolai Lesskows, in: ders.: Gesammelte Schriften, Bd. II, 2, Frankfurt/M. 1977, S. 438-465.

Martin Jörg Schäfer
Vorlesung: Theaterformen der Gegenwart, ihre Texte, ihre Vorgeschichten

2 SWS, 52.203/52.203a
DO 12-14 (+ fakultative Übung DO 16-18)
Ü35-00002
PS Wahlbereich

Die Vorlesung widmet sich der Bandbreite aktueller Theaterformate im deutschsprachigen Theaterbetrieb des 21. Jahrhunderts. Neben einer historischen Kontextualisierung gilt besondere Aufmerksamkeit der Besonderheit des (nicht immer literarischen) Texts, der dabei Verwendung findet. Das leitende Interesse ist folgendes: Beim Theater handelt es sich traditionell um einen Ort der öffentlichen Darbietung von Sprache. Mit den Verwendungen von Theatertexten auf den Bühnen steht auch der jeweilige kulturelle Status von (literarischer) Sprache zur Debatte. Dies gilt insbesondere seit den künstlerischen Avantgarden und Neoavantgarden des 20. Jahrhunderts, in denen die Fähigkeit der Sprache, Bedeutungen zu vermitteln, immer wieder kritisch hinterfragt wird. Das Theater scheint dann nicht mehr, wie im 19. Jahrhundert oft als selbstverständlich gesetzt, als ein Ort, an dem Literatur (Dramen) zur Aufführung kommen sollen. Vielmehr tritt deutlich das Wechselspiel hervor, in dem hier Sprache und Text mit anderen Elementen stehen: dem Raum, den sich bewegenden Körpern, dem Sound etc. Was für Theatertexte reagieren auf diese Ausgangslage? Welche kulturellen Gemengelagen nehmen sie auf? Auf welche Weise reflektieren Theatertexte auf diese? Und nicht zuletzt: Wie wird die Frage nach der öffentlichen Darbietung von Sprache hier auf der Skala zwischen direkter Intervention, radikaler Verweigerung oder Neuerfindung eines singulären ästhetischen Eigensinns jeweils neu ausgehandelt? Vor dem Hintergrund der Entwicklungen der künstlerischen Moderne des 20. Jahrhunderts und des deutschsprachigen Regietheaters ab den 1960er stellt die Vorlesung anhand beispielhafter Videoausschnitte zentrale Formate der aktuellen Theaterlandschaft vor, z.B. das sogenannte „neue“ Dokumentartheater, das mit „Textflächen“ operierende Diskurstheater, die autobiographisch geprägte, oft queere oder neufeministische Performance, das Pop- und Medientheater, das inklusive Theater, das sich am postkolonialen Erbe abarbeitende Theater, das postmigrantische Theater, der „neue“ Realismus, die Rückkehr eines explizit politisch-engagierten Theaters und das alternative soziale Praktiken entwerfende „relationale“ Theater.

Von besonderem Interesse sind im Kontext der Vorlesung auch Theatertexte, die von den Beteiligten kollektiv im Probenprozess entwickelt worden sind. Zu diesem Thema findet vom 24.1. bis 26.1.2019 eine Tagung auf Kampnagel statt. 

(In einer fakultativen Übung vertiefen wir die Vorlesung „Theaterformen der Gegenwart, ihre Texte, ihre Vorgeschichten“ mit der begleitenden Lektüre beispielhafter Texte und der Sichtung beispielhafter Inszenierungen.)

Ihre Anmeldung zur Vorlesung bestätigen Sie durch Teilnahme an der ersten Sitzung. Für die aktive Teilnahme an der Vorlesung beteiligen Sie sich an einem im Agora-Forum eingerichteten digitalen Diskussionsraum. Einzelheiten werden zu Vorlesungsbeginn bekanntgegeben.

Hanna Göbel
Das Publikum und die Herstellung von kontroversen Öffentlichkeiten im Sport. Soziologische, kultur- und medientheoretische Ansätze

2 SWS, 72.271
DO 16:15-17:45
Fel 03
PS Wahlbereich

„Was wäre der Sport ohne sein Publikum?“ – Nichts, so lautet eine der neueren soziologischen Positionen. Denn vor allem das mediatisierte Publikum konstituiert und legitimiert die Entstehung und das Fortbestehen einer Sportart, es bewertet und überprüft das Sportgeschehen kontinuierlich mit eigenen, unvergleichlichen Mitteln und über unterschiedliche Orte der An- und Abwesenheit. Was passiert in sich digitalisierenden Gesellschaften mit dem „Zuschauen“ und dem „Publikum“ des Sports – wird das Publikum insbesondere unter Einbezug von social media ermächtigt oder entmächtigt? Und für was? Welche publics (Öffentlichkeiten) formieren sich durch unvermittelte Bewertungszusammenhänge wie shit storms oder die like economies?

Das Seminar widmet sich diesen aktuellen Fragen und den dahinterstehenden Thesen anhand der grundlegenden Diskussion von zentralen Begrifflichkeiten und Ansätzen aus Soziologie, Kultur- und Medientheorie. Wir werden ausgesuchte Case Studies aus dem Sport erarbeiten, gern auch unter Einbezug der Forschungs- und Arbeitsinteressen der Studierenden.

Überwiegende Teile der Literatur sind in englischer Sprache.