Lehrveranstaltungen (aktuelle Übersicht)

Gabriele Klein

72.801  Tanz, Performance und Arbeit. Der globale Markt der szenischen Kunst
2 SWS, Mo, 14:00-15:30
PS Modul 1A, 1B, 1C, 2A
Ort: Fel 01

Zeitgleich mit der Globalisierung des Marktes auch der szenischen Kunst, ist in den 1990er Jahren die Auseinandersetzung mit künstlerischen Arbeitsprozessen und Formen der Zusammenarbeit (erneut) in den Mittelpunkt künstlerischen Schaffens gerückt und auch zu einem wichtigen Gegenstand wissenschaftlicher Forschung geworden. Das Seminar will diese Entwicklungen beleuchten und dabei vor allem das Zusammenwirken von Kunstmarkt und künstlerischer Arbeit einerseits, sowie von künstlerischer und wissenschaftlicher Reflexion dieser Entwicklungen andererseits untersuchen. Dabei sollen vor allem (post-)koloniale sowie neoliberale Bedingungen des Marktes sowie die unterschiedlichen Formen kollektiven Arbeitens im Mittelpunkt stehen.

Marcello de Andrade Pereira

72.802  Intersections between performance and dance-theatre: linking Brazil and Europe
2 SWS
Termine: 17.10./ 07.11./ 21.11./ 05.12./19.12./ 09.01./23.01
PS Modul 1A, 1B, 1C, 2A
Ort: Studiobühne

This seminar will take philosophy as a source to investigate contemporary Brazilian production of dance-theatre and performance, showing its intersections with European production. The boundaries between dance-theatre and performance in contemporary Brazil are by no means clear and amenable to design. The seminar intends to tackle multiple productions, with diversified and rich creative processes, discussing multicultural concepts and practices. In Brazil, groups and artists have raised question on social, cultural and political markers linked to a context of advancement of conservationism and neoliberal positions. In this sense, concepts such as "relational aesthetics", "performativity", "common" are some of the elements through which this seminar will describe and analyse certain artistic and cultural practices, especially in southern Brazil and relate them to European productions. It will also address historical elements that will help to understand the broad and multiple framework of brazilian productions in its relationship with european productions (in dance-theatre and in performance). This set of elements will make it possible to trace line of force that support the aesthetic production in the Brazil-Europe transit and will allow to inquire about the concepts of dance-theatre and performance in their contemporary and current uses.

Gabriele Klein

72.801  Tanz, Performance und Arbeit. Der globale Markt der szenischen Kunst
2 SWS, Mo, 14:00-15:30
PS Modul 1A, 1B, 1C, 2A
Ort: Fel 01

Kommentar siehe Modul 1

Marcello de Andrade Pereira

72.802  Intersections between performance and dance-theatre: linking Brazil and Europe
2 SWS
Termine: 17.10./ 07.11./ 21.11./ 05.12./19.12./ 09.01./23.01
PS Modul 1A, 1B, 1C, 2A
Ort: Studiobühne

Kommentar siehe Modul 1

Claudia Benthien

52-204  Tragödie und Trauerspiel – Spektakel des Leidens 
2 SWS
Mo 16.15-17.45
Module 2c/3a (keine Möglichkeit zur Modulprüfung)
Ort: Ü35-01003 (G)

Ausgehend von aktuellen Forschungsdiskussionen stellt die Vorlesung Geschichte, Theorie und Ästhetik der Tragödie im Überblick und anhand von Werkanalysen dar. Gattungshistorische und darstellungstheoretische stehen Aspekte im Mittelpunkt – und die Frage danach, ob das Leid der Protagonist/innen die Grenzen der Sprache und der theatralen Repräsentation sprengt oder hingegen als ‚Spektakels‘ inszeniert wird.

Die Entstehung der Tragödie wird anhand antiker Dramen und Poetiken skizziert. Im Anschluss geht es um Trauerspiel-Modelle des Barock (Märtyrertragödie, Geschichtsdrama), sodann um Debatten in der Aufklärung: die neu entstehende Mischgattung des bürgerlichen Trauerspiels. Es kommen auch Tragödienmodelle der Klassik sowie deren Infragestellung (etwa durch Kleist und die Romantiker) in den Blick. Um 1800 wandelt sich die Diskussion um die Tragödie: Gefragt wird nun nicht mehr danach, wie Tragödien zu schreiben sind, sondern was sie an philosophischen Aussagen beinhalten. Diese Akzentverschiebung hat zur Folge, dass ‚das Tragische‘ nun zu Kultur- und Weltdiagnosen dient. Insbesondere das der Tragödie entnommene Schuldkonzept wird – ausgehend von Schellings Verständnis des Tragödienhelden als ‚schuldlos Schuldigem‘ – universalisiert.

Trotz des Bedeutungsverlusts der Tragödie als Gattung, bleibt sie in der Forschung und im Theater erstaunlich präsent, auch die Dramenproduktion versiegt nicht. Der weitere Verlauf der Tragödiengeschichte des 19. bis 21. Jahrhunderts soll in der Vorlesung anhand von vier Tendenzen verfolgt werden: 1) ‚Archaisierung‘ der Tragödie und Rückgriff auf antike Modelle in der Moderne; 2) das soziale Drama als zeitgenössische Form; 3) Transformationen der Konzeption ‚tragischer Schuld‘; 4) Selbstreflexivität und Metatheatralität des Tragischen.

Es ist vorgesehen, auf folgende Dramen einzugehen (überwiegend bei Reclam erhältlich): Aischylos: Die Orestie, Sophokles: König Ödipus, Antigone; Euripides: Medea, Die Bakchen; Shakespeare: Romeo und Julia, Hamlet; Racine: Phädra; Gryphius: Catharina von Georgien, Carolus Stuardus; Lohenstein: Cleopatra; Lessing: Miss Sara Sampson, Emilia Galotti; Lenz: Der Hofmeister; Goethe: Iphigenie; Schiller: Kabale und Liebe, Die Jungfrau von Orleans, Die Braut von Messina; Kleist: Die Familie Schroffenstein, Penthesilea; Grillparzer: Das goldene Vließ, Die Jüdin von Toledo; Hebbel: Judith, Maria Magdalena; Ibsen: Hedda Gabler; Hauptmann: Vor Sonnenaufgang, Einsame Menschen; Schnitzler: Liebelei, Der einsame Weg; Hofmannsthal: Elektra; Kaiser: Von morgens bis mitternachts; Jahnn: Medea; Horváth: Geschichten aus dem Wiener Wald; Fleißer: Fegefeuer in Ingolstadt; Brecht: Antigone; Weiss: Die Ermittlung; Müller: Philoktet; Jelinek: Stecken, Stab und Stangl; Kane: Gesäubert; Loher: Unschuld; Milisavljevic: Beben, Rau: Five Easy Pieces.

In der letzten Sitzung wird das in der Veranstaltung angeeignete Wissen in Form einer für alle Teilnehmenden verbindlichen Klausur überprüft. Diese fungiert als Studienleistung (unbenotet).

 

Bernhard Jahn

52-260  Nibelungenlied-Rezeption vom Mittelalter bis ins 21. Jahrhundert
2 SWS
Di 8:30-10:00
Module 2c/3a
Ort: Ü35-08026

Kaum ein anderes Werk ist mit einer Rezeptionsgeschichte verbunden, die sich derart weit von den Ausgangskontexten entfernt wie die des um 1200 niedergeschriebenen Nibelungenliedes. Dass der Umgang mit dem Nibelungenlied wohl schon in seiner Entstehungszeit als problematisch eingestuft wurde, zeigt die sogenannte Klage, ein Text, der in den meisten Handschriften direkt an das eigentliche Nibelungenlied angefügt wurde. In der Klage wird der Versuch unternommen, das brutale Geschehen in einen christlichen Kontext zu stellen und zu bewerten. Die Klage (in ihren verschiedenen Versionen) stellt eine Art Rezeptionsanleitung dar und damit auch ein erstes Rezeptionszeugnis.

Im Seminar werden wir daher mit der Lektüre der Klage beginnen und die Deutungsstrategien, die der Text anbietet, untersuchen. Eine zweite Seminareinheit wird sich mit der Wiederentdeckung des Nibelungenliedes im 18. Jahrhundert beschäftigen.

Der Hauptteil der Seminarsitzungen ist der Rezeption des Nibelungenliedes im Theater des 19. bis 21. Jahrhunderts gewidmet. Von Richard Wagners Tetralogie Der Ring des Nibelungen, Friedrich Hebbels Trilogie Die Nibelungen über Heiner Müllers Germania Tod in Berlin bis hin zu den nach 2000 entstandenen Stücken von Moritz Rinke, John von Düffel und Thomas Melle für die Nibelungenfestspiele in Worms bieten sich zahlreiche Dramen für die Rezeptionsanalyse an. Im Deutschen Schauspielhaus läuft in der Spielzeit 2019/20 ebenfalls eine Nibelungenadaption: Die Nibelungen – allerdings mit anderem Text und auch anderer Melodie (Barbara Bürk, Clemens Sienknecht). Die Auswahl der zu behandelnden Dramen wollen wir in der ersten Sitzung gemeinsam festlegen.

Das Seminar ist als Lektüre-Seminar angelegt: keine Referate, statt dessen sind ein bis zwei Seiten umfassende Essays zu jeder Sitzung zu verfassen.

Die Kenntnis des Nibelungenliedes in der Fassung der Handschrift B (als zweisprachige Ausgabe hg. von Ursula Schulze im Reclam-Verlag erschienen) wird zu Beginn des Seminars vorausgesetzt.

Martin Jörg Schäfer

52-247  Hölderlin und die Tragödie
2 SWS
Di 16:15-17:45
Module 2c/3a
Ort: Ü35-01018

Am Ende des Wintersemesters jährt sich im März 2020 zum 250. Mal der Tod des Schriftstellers Friedrich Hölderlins. Vor allem durch seine Lyrik, die auf die Moderne vorauszuweisen scheint, hat Hölderlin posthume Berühmtheit erlangt. Seine Arbeit als Dramatiker und seine Auseinandersetzung mit der antiken Tragödie werden oft als Nebenprojekte wahrgenommen, scheinen aber retrospektiv nicht weniger wegweisend. Werden hier doch grundlegende Fragen nach der politischen Tragweite von Theater, nach der Logik seiner dramaturgischen Anordnungen, nach (nicht nur) theatraler Darstellbarkeit und nach einer „modernen“ Kunstproduktion in Auseinandersetzung mit den tradierten Modellen verhandelt. Das Textkorpus ist eigentlich übersichtlich: Von 1797 bis 1800 entstehen drei unvollendete Entwürfe zu einer Tragödie über den vorsokratischen Naturphilosophen Empedokles, die aus den Handschriften rekonstruiert worden sind: Der Legende nach stirbt Empedokles durch den Freitod, indem er sich in einen brodelnden Vulkan stürzt und dadurch die Trennung der menschlichen Kultur von der Natur ausstreicht. In Hölderlins Lesart soll der Todessprung des Empedokles der zurückgelassenen menschlichen Kultur einen gleichzeitig versöhnten, reflektierten und zur persönlichen Freiheit emanzipierten Bezug zur Natur ermöglichen.  Begleitende theoretische Skizzen zu diesem komplexen Konstrukt scheinen vor allem der Selbstorientierung Hölderlins zu dienen; sie haben allerdings auf die Theoriebildung und Aufklärungskritik seit dem 20. Jahrhundert großen Einfluss gehabt.
1804 publiziert Hölderlin dann eigenwillige Übersetzungen der Sophokles-Tragödien „Antigone“ (ca. 442 v.u.Z.) und „Ödipus“ (ca. 429 v.u.Z.) sowie begleitende dramaturgische Kommentare. Im Unterschied zur deutschsprachigen Antiken-Rezeption seit Winckelmanns Rede von deren „edler Einfalt und stillen Größe“ Mitte des 18. Jahrhunderts wird hier ein alternatives Verhältnis zwischen Antike und Moderne und damit auch zwischen Fremdem und Eigenem entworfen: In deren Zentrum steht die innere Fremdheit im unterstellten Eigenen, auf deren Freisetzung die Begegnung mit dem historisch, sprachlich und kulturell als fremd Wahrgenommenem (also den antiken Tragödien) zielt.
All diese kurzen Texte sind höchst komplex und teilweise schlicht dunkel. Die Auseinandersetzung mit ihnen ist allerdings aufregend und gewinnbringend – sowohl bezüglich der historischen, literarischen und philosophischen Kontexte, in die Hölderlin interveniert, wie auch bezüglich von Gegenwartsfragen an Literatur, Theater und deren politische Relevanz. Nicht zuletzt geht es dabei um die Frage, inwieweit in der Gegenwart (d.h. für Hölderlin im Zeichen der Aufklärung und der Probleme ihrer sich mit der Französischen Revolution zeigenden politischen Konsequenzen) Tragödie und Tragik noch möglich sind bzw. welche veränderten Formen sie angenommen haben mögen.

Ihre verbindliche STINE-Anmeldung bestätigen Sie durch Ihre Teilnahme an der ersten Sitzung.

 

Literatur:

Friedrich Hölderlin: Der Tod des Empedokles. Stuttgart 1986. (Reclam-Band basierend auf der Stuttgarter Hölderlin-Ausgabe. Zur Anschaffung empfohlen.)

Friedrich Hölderlin: Empedokles 1/2, Frankfurter Hölderlin-Ausgabe, Band 12/13, Frankfurt a.M. 1985.

Friedrich Hölderlin: Sophokles, Frankfurter Hölderlin-Ausgabe, Band 16, Frankfurt a.M. 1988.

Johann Kreuzer (Hrsg.): Hölderlin-Handbuch. Leben – Werk – Wirkung. Stuttgart 2002.

Peter Szondi: Versuch über das Tragische, in: Schriften I, S. 151-260. Frankfurt a.M. 1978.

Martin Jörg Schäfer

52-252  Die Poetik der Überschreitung in den Dramen Hans Henny Jahnns: Vom späten Kaiserreich zur frühen BRD
2 SWS
Di 12:15-13:45
Module 2c/3a
Ort: Ü35-01018

Der Hamburger Schriftsteller und autodidaktische Orgelbauer, Musikverleger sowie Architekturtheoretiker Hans Henny Jahnn, der sich zudem als pazifistischer Publizist, Begründer einer Glaubensgemeinde, Pferdezüchter und Hormonforscher betätigte, wäre im Dezember 2019 125 Jahre alt geworden; im November 2019 jährt sich außerdem sein sechzigster Todestag. Dies wollen wir im Seminar zum Anlass nehmen, uns aus unterschiedlichen Perspektiven mit ausgewählten Dramen Hans Henny Jahnns zu beschäftigen. Zudem wollen wir die Stücke im Kontext ihrer weiteren kulturellen Zusammenhänge verorten, nicht zuletzt der modernen Theateravantgarden.
Jahnns Dramenproduktion beginnt während des Ersten Weltkriegs, macht Jahnn in der Weimarer Republik in kleineren Künstler*innenkreisen zu einer Kultfigur, wird im Exil während des Nationalsozialismus fast ganz zugunsten der Arbeit an einem großangelegten Roman zurückgestellt und steht ab der Rückkehr nach Hamburg im Zeichen eines größeren kultur- und gesellschaftspolitischen Engagements. Formale Experimente und sprachliche Radikalität verbinden sich mit der Überschreitung kultureller Grenzen: etwa in der Absage an tradierte Moral- und Schicklichkeitsvorstellungen, in exzessiven Gewaltdarstellungen, der kompletten Auslieferung an die Schmerzhaftigkeit der körperlichen Existenz oder einer Sprengung zeitgenössischer Sexualvorstellungen (letzteres durch die forcierte Darstellung von männlicher homo- und bisexueller Liebe, geschwisterlichem Inzest oder einer erotisch aufgeladenen Verbindung zu Tieren). Jahnns Themen reichen von einer radikalen Kritik am Christentum über eine Beschäftigung mit den Gräueln des Kolonialismus bis hin zur Ausrufung einer Naturethik des Mitleidens. Diese soll eine grundlegende Ungerechtigkeit der Schöpfung gleichzeitig anerkennen und ihr widerstehen. Sie ist der Beweggrund für Jahnns politisches Engagement in der frühen Antiatomkraftbewegung in den Anfangsjahren der Bundesrepublik.
Das komplexe Ineinander von Eigentümlichkeit und Kontextgebundenheit der Texte Jahnns wollen wir uns gemeinsam an voraussichtlich folgenden Stücken erschließen: „Pastor Ephraim Magnus“ (1919), „Medea“ (1926), „Straßenecke“ (1931), „Armut, Reichtum, Mensch und Tier“ (1934/1948) und „Der staubige Regenbogen“ (1959). Jahnns Dramen sind umfangreich und sperrig; sie wirkten bereits zu Lebzeiten in Vielem befremdlich. Zudem verwenden die Texte zahlreiche Wörter und Bilder, die wir heute als sexistisch oder rassistisch einordnen. Eine Bereitschaft zur Auseinandersetzung mit dem Phänomen Jahnn ist bitte mitzubringen.

Ihre verbindliche STINE-Anmeldung bestätigen Sie durch Ihre Teilnahme an der ersten Sitzung.

Literatur:

Jan Bürger: Der gestrandete Wal. Das maßlose Leben des Hans Henny Jahnn. Hamburg 2003.

Hans Henny Jahnn: Dramen I. 1917-1929. Hamburg 1988.

Hans Henny Jahnn: Dramen II. 1930-1959. Hamburg 1993.

 

Wolfgang Sting

44.701  Theater und Performance als Kunstpraxis und Bildung
2 SWS
Do 10:15-11:45
Module 2b, 6a
Ort: Studiobühne, R. 046

Wie künstlerisch-ästhetisch differenziert und wie bildungsrelevant zeigen sich die szenischen Künste heute? Aber auch wie politisch und wie sozial-engagiert? Theater und Performance als szenische Künste stehen mit ihrer ästhetischen Praxis immer wieder auf Neue in einem dynamischen Wechselverhältnis zu gesellschaftlichen Fragen und Diskursen. Ist die ästhetische Erfahrung beim Theatersehen oder beim aktiven Theaterspielen bildungsrelevant? Vermittelt Theater Erfahrungen, die als Bildung, Empowerment, Transformation gefasst werden können? Hat Theater vielleicht sogar einen Bildungsauftrag? Unterschiedliche theaterpädagogische Arbeitsfelder positionieren sich in Theorie und Praxis zu diesem Wechselverhältnis von Kunst, Gesellschaft und Bildung. Das Seminar untersucht und diskutiert theoretische Positionen und beispielhafte Praxisprojekte in diesem Feld, auch unter Einbezug (post)migrantischer, postkolonialer und inklusionsorientierter Fragestellungen. „Applied Theatre“ als relevanter (theaterpädagogischer) Ansatz im angelsächsischen Kontext, der Theater als „change agent“ und „transformation process“ konzeptualisiert, eröffnet zudem eine zu reflektierende internationale Perspektive.

Einführende Literatur: Westphal, Kirstin et al (Hg.) (2018) Zwischen Kunst und Bildung. Theorie, Vermittlung, Forschung in der zeitgenössischen Theater-, Tanz- und Performancekunst. Oberhausen. Warstat, M. et al (Hg.) (2015) Theater als Intervention. Politiken ästhetischer Praxis. Berlin

Seminarleistungen: Regelmäßige Teilnahme und Seminarlektüre, Mitarbeit in einer Arbeitsgruppe zur Vorbereitung bzw. Präsentation eines Seminarthemas.

Claudia Benthien

52-204  Tragödie und Trauerspiel – Spektakel des Leidens 
2 SWS
Mo 16.15-17.45
Module 2c/3a (keine Möglichkeit zur Modulprüfung)
Ort: Ü35-01003 (G)

Kommentar siehe Modul 2

Noah Holtwiesche

52-262  Schauplätze des Sehens
2 SWS
Di 10:15-11:45
Module 3b, 3c
Ort: Ü35-01048

In diesem Seminar wollen wir der Frage nachgehen, auf welche Weise Theater und Kunst uns zu Zuschauenden werden lassen. Wir werden dafür unseren Blick nicht nur auf das richten, was uns unmittelbar vor Augen erscheint, auf das Bild, sondern unterschiedliche Szenen des Zuschauens in Betracht ziehen, wie sie nicht nur im Theater zu finden sind, sondern auch in den angrenzenden Künsten, insbesondere in der Literatur, der Performancekunst und der bildenden Kunst.

Für diese Auseinandersetzung werden wir kritisch grundlegende Theorien des Sehens und der Aktivität des (Kunst-)Betrachtens erarbeiten und auf diverse Fallbeispiele aus Kunst und Lebenswelt anwenden. Themen sind u.a. Schaulust, Guckkasten und Camera obscura, die ‚Gesellschaft des Spektakels‘, das Obszöne und Strategien der Involvierung von Zuschauer*innen. Das Lernziel des Seminars ist es, einen umfassenden Überblick zu gewinnen über verschiedene Weisen, uns in Szenen des Sehens zu versetzen, sowie Begriffe für kritische Analysen von szenischen Anordnungen in Performance, Literatur und Kunst zu entwickeln.

Leistungserbringung:
Ihre verbindliche STINE-Anmeldung bestätigen Sie durch Ihre Teilnahme an der ersten Sitzung. Für die erfolgreiche Teilnahme (Studienleistung) ist erforderlich:

a) die regelmäßige Lektüre auch englischsprachiger Texte;
b) die aktive Beteiligung am Seminar;
c) das Verfassen eines Essays (600 - 700 Wörter, späteste Abgabe 15.01.20).

(Performance Studies: Für die Modulprüfung ist ein Referat inklusive schriftlicher Ausarbeitung notwendig.)

Der Semesterplan wird in der ersten Seminarsitzung am 15.10.2019 besprochen.

Literaturauswahl:

Jonathan Crary: Techniken des Betrachtens. Sehen und Moderne im 19. Jahrhundert. Dresden/Berlin 1996.

Ulrike Haß: Das Drama des Sehens. Auge, Blick und Bühnenform. München 2005.

Dominic Johnson: Theatre and The Visual. Basingstoke 2012.

Maaike Bleeker: Visuality in the Theatre. The Locus of Looking. Basingstoke 2008.

Paul Valéry: Monsieur Teste. Frankfurt a.M. 2012.

Bernhard Jahn

52-260  Nibelungenlied-Rezeption vom Mittelalter bis ins 21. Jahrhundert
2 SWS
Di 8:30-10:00
Module 2c/3a (keine Möglichkeit zur Modulprüfung)
Ort: Ü35-08026

Kommentar siehe Modul 2

Martin Jörg Schäfer

52-247  Hölderlin und die Tragödie
2 SWS
Di 16:15-17:45
Module 2c/3a
Ort: Ü35-01018

Kommentar siehe Modul 2

Martin Jörg Schäfer

52-250  Die Poetik der Überschreitung in den Dramen Hans Henny Jahnns: Vom späten Kaiserreich zur frühen BRD
2 SWS
Di 12:15-13:45
Module 2c/3a
Ort: Ü35-01018

Kommentar siehe Modul 2

Roland Matthies

44.703  Performing Voice - Gestural Speech - Embodied Text
3 SWS
Mi 14:15-18:45 , 14-täglich
Termine: 16.10., 30.10., 13.11., 27.11., 11.12.2019, 08.01., 22.01.2020 jeweils 14:00 - 19:00
Modul 4b
Ort: Studiobühne

Wie setze ich Stimme performativ ein? Wie wird Sprechen gestisch? Wie verkörpere ich einen Text? 

Wir werden uns in diesem künstlerisch-praktischen Seminar mit den Parametern Stimme, Sprechen und Sprache im performativen Kontext auseinandersetzen. Dabei sollen bereits die elementaren Funktionen der Stimme wie Atem, Lautgebung und Rhythmus als Ausdruckselemente begriffen werden. Sprechen soll im Hinblick auf sein gestisches Material untersucht werden. Zudem werden wir uns mit dem Körper von Texten beschäftigen und Ansätze zur Verkörperung von Sprache sowie zur Versprachlichung von Körpern erkunden.

Roland Matthies studierte bei Étienne Decroux und an der École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq in Paris sowie Sprecherziehung und Sprachgestaltung in Bonn und Münster. Er lehrt unter anderem an der Folkwang Universität der Künste und der Theaterakademie der Hochschule für Musik und Theater Hamburg, wo er seit 2001 eine Professur für Sprechbildung und künstlerisches Sprechen inne hat.

Letzte Inszenierungen: "Messer in Hennen" (2015) in Bremen und "SACRIFICE - Performance nach A. Tarkowski" (2015/16)  in Essen. Für letztere erhielt er ein Stipendium der Ingmar Bergman Foundation, des Folkwang Labs und der Carl Stiftung.

Sayonara Pereira

72.803  Praktiken des tänzerischen und choreografischen Arbeitens
2 SWS
Termine:
16.01. 16:00-20:00 Uhr (Studiobühne)
17.-19.1. 10:00-19:00 Uhr (Kampnagel, 2. Stw. Verwaltungsgebäude)
20.1. 18:30-21:00 (Studiobühne)
21.1. 18:00-21:00 (Studiobühne) (19:00 optional Showing, wird bekanntgegeben)

Modul 4a, 5a

Das Seminar "Praktiken des tänzerischen- und choreografischen Arbeitens" schlägt eine theoretisch-praktische Reflexion vor, in der die Beziehungen zwischen Körper, Raum, Musikalität, Texte und Bewegungen in zeitgenössischen szenischen Prozessen entstehen.
Es basiert auf den szenischen und pädagogischen Erfahrungen, die Pereira in den letzten 20 Jahren entwickelt hat, und befasst sich mit Themen wie Übertragbarkeit, autobiografische Schriften und Erinnerungen. Darüber hinaus soll das Seminar präsentieren, die Beispiele von Choreographien von unterschiedlichen brasilianischen Choreograph*innen, die heutzutage in der zeitgenössischen freien Szene tätig sind.

Sayonara Pereira

72.803  Praktiken des tänzerischen und choreografischen Arbeitens
2 SWS
Termine:
16.01. 16:00-20:00 Uhr (Kampnagel, 2. Stw. Verwaltungsgebäude)
17.-19.1. 10:00-19:00 Uhr (Kampnagel, 2. Stw. Verwaltungsgebäude)
20.1. 18:30-21:00 (Studiobühne)
21.1. 18:00-21:00 (Studiobühne) (19:00 optional Showing, wird bekanntgegeben)

Modul 4a, 5a

Kommentar siehe Modul 4

Su Jin Kim

72.805  Vermittlungskonzepte und -praktiken in Tanz und Choreografie
2 SWS
Mo, 10:15-11:45
Modul 6B

Die Veranstaltung setzt sich mit dem Verhältnis von Tanz, Choreografie und Vermittlung im Kontext der künstlerischen und kulturellen Bildung auseinander. Im Seminar werden die Studierende die kritische Kunstvermittlung erforschen, indem sie die erweiterten Begriffe der Choreografie – wie Kollaboratives Arbeiten, interkultureller Prozess, Partizipieren – als Ausgangspunkt bilden. Im Hinblick auf diese werden die Praktiken der ästhetischen Bildungskonzepte von Tanz- und Bewegungspädagogik sowohl für professionellen Tänzer*innen und Choreograf*innen, als auch für nichtprofessionelle und tanzunerfahrene Menschen konzipiert.

Die Seminarteilnehmer*innen beschäftigen sich mit tänzerischen und choreografisch- szenischen Konzepten und Verfahren, um ihre Kompetenzen für die Vermittlung des Tanzes und der Choreografie aufzubauen. Indem sie eine gemeinsame Sprache bzw. eine Grammatik für die eigene kulturpädagogische Arbeit und künstlerische Gestaltungsprozess finden, reflektieren sie praktisch und theoretisch die Vermittlungspraxis der Tanz und Choreografie.

Wolfgang Sting

44.701  Theater und Performance als Kunstpraxis und Bildung
2 SWS
Do 10:15-11:45
Module 2b, 6a
Ort: Studiobühne, R. 046

Kommentar siehe Modul 2

Alina Gregor

44.702  Vermittlung als Inszenierung im Kontext von Theater und Performance
2 SWS
Mi, 10:15-11:45
Modul 7A, 7B, 7C
Ort: Studiobühne, R. 046

Das Seminar setzt sich mit dem Begriff der Vermittlung und Inszenierung auseinander und untersucht theoretische und praktische Vermittlungskonzepte. In Theorie und Praxis werden die Begriffe Inszenierung und Vermittlung diskutiert, reflektiert und kontextualisiert. In der aktuellen Theaterpädagogik wechseln sich die Begriffe Inszenierung und Vermittlung immer wieder ab und beeinflussen in ihrer Wechselseitigkeit künstlerische Prozesse. Das Seminar untersucht unterschiedliche Texte und Positionen der aktuellen Performance - und Theaterpädagogiktheorie - und Praxis.
Dazu werden performative Konzepte und Strategien einer beispielhaften Umsetzung unterschiedlicher theoretischer und ästhetischer Ansätze vorgestellt, gestaltet und aus verschiedenen Perspektiven szenisch und didaktisch auf den Punkt gebracht.
Beispielhaft werden diverse künstlerische Schaffensprozesse vorgestellt und exemplarisch, eigenständig entwickelt. Es wird gezeigt, wie sich Spielordnung in Raum- und Zeitkonzepten gegenseitig bedingen.

Einführende Literatur:
Pinkert, U. (Hg.) (2014) Theaterpädagogik am Theater, Kontexte und Konzepte von Theatervermittlung. Berlin, Milow, Strasburg.
Hilliger, D. (2018) K_Eine Didaktik der performativen Künste. Berlin, Milow, Strasburg.

Seminarleistungen: regelmäßige Teilnahme und Seminarlektüre, Mitarbeit in einer Arbeitsgruppe zur Vorbereitung bzw. Präsentation eines Seminarthemas.

Regina Rossi

72.809  "Kulturmanagement heißt gleich Kulturmanagement?"
2 SWS
Termine: 23.10., 06.11., 20.11., 04.12., 18.12., 15.01., 29.01. jeweils 14:15-17:30
Modul 8A, 8B
Ort: Studiobühne, VMP 8, R. 046

Netzwerke, Fördergelder, (Kunst-)Markt, Öffentlichkeit, Festivals, Freiwilligkeit, Spielstätten, Dis-kussionen, politisches Engagement … Was gehört alles zur Wissensproduktion und -reflexion in-nerhalb des Feldes „Kulturmanagement“? Welche Handlungsnotwendigkeiten und Alternativen entwickeln sich aus einer kritischen Annäherung zu der eher neoliberalen Idee des Managements?In dem Seminar werden Formate und Produktionsmöglichkeiten für Kunstprojekte thematisiert und diskutiert. Die Vernetzungen von Theorie und Praxis, sehr präsent in der heutigen Projektpla-nung und -gestaltung der freien Szene, spiegelt sich in der Seminarstruktur wider: sowohl theoreti-sche Auseinandersetzungen als auch praktische Übungen, Meetings und Workshops sind Teil der Veranstaltung. Ziel des Seminars ist es, dass jede Teilnehmende während des Semesters Pros und Contras von Institutionalisierung, Festivalisierung und Prekarisierung erfährt, und die Skizze eines Projektantrages erarbeiten kann.

Deufert & Plischke

72.808  A Worn World - How to Remember Things that Move ...
2 SWS
Termine: 06.-07.12., 10.-11.01., 31.01.-01.02., jeweils 10:00 - 16:30
Modul 9A
Ort: Kampnagel, 5. Stw.

"Clothing is a worn world: a world of social relations put upon the wearer’s body”  (A.R. Jones & P. Stallybrass)

Clothes may act by producing memory and emotions like fear, shame and sometimes simply pleasure. So they have a distinct relation to the self: they carry spores of desire, appear in phantasies, and mark social relation. Wearing clothes the personal and imaginary meets the symbolic and social. It is time to activate this potential for training and exploring dance. The studio work will depart with the development of research questions in relation to body, subject and clothes, and continue by designing experimental set ups in relation to those questions. The aim of the workshop is to engage with the vibrant nature of matter, to tune into its sensorial specificities, memory associations it provides, and ways that it can augment our bodily faculties. We will investigate the potential that clothes contain for movement generation and for presence of a person, and how shifts in presence can be provoked and acknowledged. During the workshop we will dance, move, sew and test different articles of clothing/ objects/ materials and discuss our own somatic experiences. We will work in teams and rely on closely working together, continuous participation is not only required but also seen as a courtesy to the others in the workshop.

Gabriele Klein / Martin Jörg Schäfer / Wolfgang Sting

Fr 15.45-18.00, Studiobühne

Modul: Freier Wahlbereich

Im Seminar Freies Szenisches Arbeiten werden konzeptuelle und künstlerische Fragen, Arbeiten oder Projekte der Studierenden der Performance Studies vorgestellt und diskutiert. Freies Szenisches Arbeiten versteht sich als Raum zum selbstorganisierten Austausch über individuelle und kollektive Proben- und Arbeitsprozesse und -ergebnisse. Ziel ist es die (Weiter)Entwicklung eigener Projekte anzuregen und zu vertiefen

Gabriele Klein / Martin Jörg Schäfer / Wolfgang Sting

Di 19.00-20.30
Ort: Studiobühne
Modul: Freier Wahlbereich

Das Kolloquium Performance Studies thematisiert und diskutiert aktuelle Positionen, Praktiken und Produktionen des Arbeits- und Forschungsfeldes Performance Studies.

Gabriele Klein

72.297  Urbane Choreografien. BewegungsFlow und Protest
2 SWS
Mo, 16:00-17:30
Modul: Freier Wahlbereich
Ort: Fel 03

Stadtplanung, Architekturen oder Verkehrsinfrastrukturen ordnen den Bewegungsflow in Städten und öffentlichen Räumen. Es sind die in den Raum eingeschriebenen urbanen Choreografien. Diese Ordnungen des Bewegungsflows werden mitunter durch andere Formen urbaner Choreografien unterbrochen: Ob Events wie Schlagermoves, Marathon oder Triathlon oder politische Aktionen oder politisch motivierte künstlerische Performances wie Camps in öffentlichen Räumen, Sitzstreiks auf Kreuzungen, Demonstrationen – diese sie sind immer auch eine Unterbrechung des in den Raum eingeschriebenen Bewegungsflows in postindustriellen, theatralisierten und eventisierten (Innen-)Städten.

Das Seminar setzt sich mit dem Konzept der urbanen Choreografie auseinander. Es untersucht das Verhältnis von (Stadt-)Raum und Bewegungsordnung sowie die Körperlichkeit und Bewegungsordnungen von Protest im öffentlichen Raum.